La nouvelle exposition de Tracey Emin chez Xavier Hufkens explore l'amour sous toutes ses formes
La nouvelle exposition de Tracey Emin à la galerie tourne autour d'un thème fondamental de son œuvre : l'amour sous toutes ses formes. Dans une nouvelle série de peintures, allant de l'intime au monumental, Emin explore les subtilités des émotions humaines, révélant une profonde compréhension de nos mécanismes les plus intimes. Les coups de pinceau gestuels et l'utilisation audacieuse de la couleur évoquent l'intimité du corps humain et ses émotions mises à nu. Si l'engagement d'Emin pour la peinture est resté constant tout au long de sa carrière, ces dernières années ont été marquées par un regain d'attention pour cet élément central de son art. Cette attention renouvelée est évidente lorsqu'elle s'immerge plus profondément dans le domaine de la peinture, imprégnant son art de ses expériences personnelles de l'amour et de la mortalité.
L'amour imprègne l'ensemble de l'œuvre de Tracey Emin. Il transcende la simple émotion, se manifestant à la fois comme un acte physique et un état mental. Il peut être ressenti aussi bien par le corps que par l'esprit. Emin montre l'amour sous ses multiples formes, des plus merveilleuses aux plus douloureuses, des plus obsessionnelles aux plus insaisissables. La relation symbiotique entre l'amour et le temps est au cœur de ces peintures, qui explorent ses manifestations passées, présentes et futures. You Loved Me Then et I Fucking Loved You capturent des moments de nostalgie et de désir, ancrés dans le passé, tandis que Kissing, Lust et A Feeling incarnent l'immédiateté du présent. Please Keep Loving me fait écho à un sentiment d'espoir durable, reflétant la croyance d'Emin dans la résilience et la continuité de l'amour.
Cependant, la mort est inextricablement liée aux idées d'amour et de temps. Bien qu'Emin n'ait jamais évité ce sujet dans son travail - elle a créé une série de peintures poignantes sur la perte de sa mère, par exemple -, il acquiert une signification profondément personnelle dans le contexte de sa récente maladie, qui met sa vie en danger. There's nothing Left of her et I Melted away témoignent tous deux de cette confrontation avec la mortalité. Dans I watched Myself die and come alive, nous voyons l'artiste sur une table dans un cadre domestique, sous le regard d'une figure enveloppée d'un linceul. L'œuvre fait clairement allusion à la résurrection : regarder la mort en face et revenir à la vie. L'œuvre a une qualité onirique : une table peut avoir une fonction domestique ou chirurgicale ; il n'est pas clair si la figure spectrale appartient à la réalité construite ou au subconscient.
Les rêves et le sommeil, ainsi que leurs antithèses, les cauchemars et l'insomnie, sont également présents dans l'exposition, tout comme les fantômes d'anciens maîtres. Son tableau The Nightmare, par exemple, fait écho à l'œuvre éponyme de l'artiste suisse Henry Fuseli datant de 1781 : un incube sombre surmontant une femme pâle et allongée. L'image reflète l'engagement profond d'Emin dans l'histoire de l'art, comme en témoignent les œuvres précédentes inspirées par Edvard Munch. De My Bed (1998) à Insomnia Room (2019), les heures nocturnes de l'artiste, bonnes ou mauvaises, s'infiltrent invariablement dans son travail. Plusieurs tableaux de l'exposition, dont I Kept Dreaming, Night Time et Sleeping with my eyes open prolongent cette trajectoire. L'eau est également présente, à la fois dans la myriade de nuances de bleu que l'on peut voir dans les tableaux, mais aussi en tant que motif. Elle incarne diverses interprétations symboliques, servant de symbole de pureté et de renouveau (I wanted to be clean) ou de peur et d'anxiété (I Kept Drowning).
La plupart des œuvres de l'exposition représentent l'artiste seule ou enlacée dans une position couchée : dans un lit, sur une table, une chaise longue ou un canapé. Emin a souvent représenté des lits dans son travail, les présentant comme des lieux aux connotations à la fois positives et négatives : ils peuvent être des sites de douleur et de plaisir, ou de rêves et de tourments. Ils nous rappellent la maison, mais aussi les hôpitaux et la convalescence. C'est là que nous naissons et, traditionnellement, que nous mourons. Mais dans quatre autoportraits verticaux, l'artiste n'est pas en position de repos, mais en position verticale, face au spectateur. Intitulés This is Me, Always A Mirror, You could drink me et I Felt So Much Older, ils font allusion à un processus de réalignement émotionnel et d'acceptation. Avec la même qualité linéaire que les visages qu'elle a créés pour les portes de la National Portrait Gallery de Londres, les autoportraits d'Emin montrent l'artiste regardant hors du cadre et dans le monde.
Tracey Emin
By the time you see me there will be nothing left
24 mai - 27 juillet 2024
Xavier Hufkens
6 rue St-Georges, 1050 Bruxelles, Belgique
Tracey Emin
Tracey Emin (née en 1963 à Londres) vit et travaille entre Londres, le sud de la France et Margate, au Royaume-Uni. En 2023, elle a ouvert une fondation et une école d'art éponymes à Margate, qui propose des résidences à des artistes internationaux émergents et organise des expositions. Parmi ses récentes commandes publiques figurent The Doors (2023), un ensemble de portes en bronze pour la National Portrait Gallery, à Londres ; The Mother (2022), un grand bronze extérieur pour le Musée Munch, à Oslo ; et I Want My Time With You (2018), une grande œuvre en néon pour la gare de St Pancras, à Londres. Parmi les expositions individuelles récentes, citons le Munch Museum, Oslo (2021) ; la Royal Academy of Arts, Londres (2020) ; le Musée d'Orsay, Paris (2019) ; le Château La Coste, Aix-en-Provence, France (2017) ; le Leopold Museum, Vienne (2015) ; le Museum of Contemporary Art, Miami, Floride (2013) ; le Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (2012) ; Turner Contemporary, Margate, Royaume-Uni (2012) ; Hayward Gallery, Londres (2011) ; Kunstmuseum Bern, Suisse (2009) ; Scottish National Gallery of Modern Art, Édimbourg (2008) ; Centro de Arte Contemporáneo, Malaga, Espagne (2008) ; Art Gallery of New South Wales, Sydney (2003) ; et Stedelijk Museum, Amsterdam (2002).
Tracey Emin a représenté la Grande-Bretagne à la 52e Biennale de Venise en 2007. En 2012, elle a été nommée Commandeur de l'Ordre le plus excellent de l'Empire britannique pour sa contribution aux arts visuels.
I waited so Long, 2022 acrylic on canvas 183.1 × 183.3 cm, 72 1⁄8 × 72 1⁄8 in. Photo credit: Ollie Harrop Courtesy the Artist and Xavier Hufkens, Brussels
I wanted to be clean, 2023 acrylic on canvas 182.2 × 120 cm, 71 3⁄4 × 47 1⁄4 in. Photo credit: Ollie Harrop Courtesy the Artist and Xavier Hufkens, Brussels
